martes, 31 de mayo de 2011

Títeres y música se suman al espectáculo de calle "La dama de Gardeny"



"La dama de Gardeny", el nuevo espectáculo de la compañía Xip Xap, surgió como un montaje itinerante por encargo del ayuntamiento de Lleida para poder programar visitas guiadas al Castillo Templario de Gardeny. Después de la segunda temporada, la formación decidió adaptar esta producción y convertirla en una obra de títeres, con música y casi sin texto. Actualmente la están viendo la mayoría de los escolares de Lleida, pero el propósito de Xip Xap es que viaje alrededor del mundo para que su ciudad sea más conocida. 
Tras más de 25 años dedicados a las artes escénicas de calle, la compañía Xip Xap ha llegado a la conclusión de que una verdadera comunicación con el público solo se consigue si se logra vencer la distancia que separa el escenario del patio de butacas. Su receta se basa en espectáculos con pequeños mensajes, inspirados en cuentos, fábulas y leyendas tradicionales, en los que la música sirve como herramienta para conseguir ilusionar y divertir no solo a los más pequeños, sino también a los adultos que les acompañan al teatro. La compañía siente que el público se involucra tanto en sus montajes que llega a convertirse en un integrante más de la formación, por lo que los responsables de Xip Xap desean aprovechar estas líneas para mostrar su agradecimiento a todos sus espectadores.  

lunes, 30 de mayo de 2011

El próximo 18 de junio verá la luz el nuevo espectáculo de Cantajuego


"Del 1 al 7" es el título del nuevo espectáculo y Dvd de Cantajuego, donde conviven las canciones de su último trabajo y las de sus seis volúmenes anteriores. Se trata de noventa minutos de diversión y música a cargo del fenómeno infantil de más éxito de las ultimas décadas. En lo que al espectáculo se refiere, en esta ocasión el Grupo Encanto planifica sus vacaciones en la granja de su amigo el burro Pepe en compañía de Buby, la ardilla cotilla; la Vaca Lechera, el sapo Pepe y la rana Juana, y Coco, entre otros entrañables personajes. El estreno está previsto para el 18 de junio en el Palacio Municipal de Congresos del Campo de las Naciones de Madrid, donde se llevarán a cabo dos funciones. 
Entre otros muchos logros Cantajuego puede presumir hasta el momento de contar con más de 800.000 copias vendidas de sus trabajos discográficos, conseguir 23 discos de platino y 3 de oro, y que sus espectáculos hayan sido vistos por mas de 600.000 mil personas en toda España, 50.000 de ellas solo en la Gran Vía madrileña. En esta ocasión juegos, canciones y adivinanzas serán la clave para que los "cantajuegos" y sus simpáticos compañeros de aventuras conquisten de nuevo a sus pequeños y grandes espectadores con este espectáculo, que, como los anteriores, está diseñado especialmente para que los niños complementen su aprendizaje. 

Tarifa reducida para los profesionales que se inscriban en Mediterrània antes del 11 de septiembre



Ya está abierto el plazo de inscripción para profesionales de la décimo cuarta edición de la Fira Meditarrània de Manresa, que se llevará a cabo en la localidad barcelonesa entre los próximos días 3 y 6 de noviembre. Todos aquellos que confirmen su participación antes del 11 de septiembre se verán favorecidos por la aplicación de una tarifa reducida. Las inscripciones se pueden formalizar ya, a través de la web de la feria, tanto en la modalidad de profesional como de expositor en el Professional Meeting, que este año contará con nuevos espacios de negocio. Y para aparecer de manera destacada en su nuevo programa profesional, la inscripción tendrá que hacerse antes del 22 de junio. 
Los responsables de esta feria integrada en COFAE pretenden superar a los 1.116 profesionales que acudieron en su anterior edición. Para ello, uno de los principales alicientes de este año será la presencia del pintor y poeta catalán Perejaume en calidad de artista invitado, quien ya prepara varios proyectos en torno al peso de las imágenes. De hecho, su espectáculo "Ballar la veu" será el encargado de inaugurar Mediterrània el próximo 3 de noviembre.  

miércoles, 25 de mayo de 2011

"2015 tiempo vital", de Clan de Bichos, alcanza su función número 100


Desde hace tiempo la compañía Clan de Bichos incluye en su repertorio una trilogía centrada en los Objetivos de Desarrollo del Milenio que está formada por los siguientes montajes: "¡¿Qué mosca te ha picado?!", dirigida a niños a partir de 4 años y cuya próxima actuación tendrá lugar el 9 de junio en el CEPI-Colombiano de Madrid; "¡Tú la llevas!", para chavales a partir de 7 años, y que el 21 de junio se podrá ver en el C.P. Reina Victoria de Madrid; y "2015 tiempo vital", para jóvenes desde los 13 años, y que se representará el 17 de junio en el I.E.S. Senda Galiana, también en Madrid. Precisamente esta función constituirá la número 100 de este montaje que se estrenó el 26 de octubre de 2009. 
A partir del humor, la música en directo y los audiovisuales realizados por Ismael Moreno –autor de todos los espectáculos de Clan de Bichos junto a Susana Sánchez–, "2015 tiempo vital" informa sobre los Objetivos de Desarrollo del Milenio pero, sobre todo, pretende estimular a los jóvenes a una transformación social más profunda, mostrando desde la ironía y la parodia el reparto injusto del mundo. Y es que la producciones de esta compañía madrileña siempre se han caracterizado por la búsqueda de un teatro social donde el aspecto lúdico y el entretenimiento se combina con una denuncia muy crítica y directa de nuestra realidad y la necesidad de transformarla. 

martes, 24 de mayo de 2011

Vicente Díez reflexiona sobre la conciencia humana en "A propósito de la nieve"


"Memorias del subsuelo", uno de los libros más representativos del legado de Fedor Dostoievski, es la obra en la que se basa el montaje teatral "A propósito de la nieve", en la que el actor Vicente Díez se enfrenta a un complejo monólogo consigo mismo... o más bien con el personaje al que da vida. Durante todos los lunes de mayo y junio se podrá disfrutar de esta función de Producciones Hijos de Díez Lorente en el teatro madrileño Espada de Madera, un recinto que ya en sí constituye todo un espectáculo gracias a su coro de madera en el que se sitúan los espectadores, al ambigú en el que se puede tomar un vino antes de cada representación, y a su íntimo y cercano escenario, iluminado en esta ocasión por Juan Gómez Cornejo.   
Desde el sótano en el que vive voluntariamente exiliado del mundo, un hombre inicia el relato de un recuerdo que lo atormenta desde hace 25 años, con el fin de liberarse de él. "A propósito de la nieve" es la confesión de un hombre que se asoma con valentía al abismo de su alma, a través de la cual Dostoievski analiza con bisturí el "subsuelo" de la conciencia humana. David Lorente dirige esta adaptación que firma Vicente Díez Gómez y que cuenta con una sencilla pero efectiva ambientación, ideada por Susana Hernández Herrero, que sirve de marco ideal para este incisivo monólogo. 

Los profesionales de las artes de calle reivindican una mayor protección para su sector



Un gran número de compañías y profesionales vinculados a las artes de calle se han adherido ya a un manifiesto en el que se reivindica una mayor protección pública para este segmento de las artes escénicas. Entre otras reivindicaciones, el texto pide que, al igual que nadie cuestiona otros servicios públicos, las artes de calle no deben verse especialmente recortadas en los presupuestos de los ayuntamientos. Además recuerda que este tipo de manifestaciones escénicas están dirigidas a todo tipo de público, tienen unos costes inferiores a los del teatro de sala, proporcionan una pincelada cultural a cualquier fiesta, e incentivan la actividad comercial en las calles, entre otras ventajas. A continuación publicamos el texto íntegro de este manifiesto:

Malos tiempos para la lírica.
No obstante y por fortuna, podemos ver que desde algunas instituciones se han hecho esfuerzos encaminados a mantener unas cotas mínimas de programación teatral. Las razones son varias; nosotros destacamos las que nos parecen más interesantes.
En primer lugar, por el interés que tiene la cultura y el derecho del ciudadano a acceder a ella.
Otra razón es que, como servicio público que es, no hay motivo para que los recortes sean superiores a otras áreas, igualmente de servicio público.
Y finalmente, porque queremos creer que las instituciones son conscientes de la importancia de las empresas teatrales tanto en el ámbito artístico, por supuesto, como en el económico. La cultura representa un porcentaje importante del PIB en cuanto a ingresos, contratos laborales, cotizaciones a la seguridad social y pago de impuestos.
Sin embargo, las compañías, productoras y distribuidoras, reseñadas abajo, queremos llamar la atención sobre un hecho que nos viene preocupando. Ninguno de estos esfuerzos se hace cuando se trata de ARTES DE LA CALLE.
En muchos de los municipios en los que se mantiene la programación de sala (en mejor o peor situación por los recortes), se ha visto como prescindible (por esos mismos recortes) los programas de calle que se hacían en plazas y calles.
En muchas fiestas de municipios grandes y pequeños se ha suprimido de un plumazo la programación de artes de calle debido a los mismos recortes que no han impedido la programación de otro tipo de eventos.
Prácticamente en ninguno de los circuitos existentes en el estado entra la programación de calle. En todos están tanto la programación de adultos como la programación para público familiar siempre vinculados a una sala. Ni siquiera la programación de artes de calle es tenida en cuenta a la hora de ayudar a las programaciones.
Desde aquí queremos recordar algunos elementos característicos de las artes de la calle:
     Es democrática. Dirigida a todo tipo de público, independientemente de su estatus, ingresos o estudios. Por el espacio en que se ofrece, accesible.
     Es rentable económicamente. Somos conscientes de que los cachés que se barajan en la calle son un 20% menor que los de sala.
                        • Además, si calculamos el coste por espectador, podemos descubrir que el coste por cada uno es mucho, muchísimo menor que en la sala.
                        • Los costes añadidos de producción para su programación
son equivalentes o menores a los de una sala.
                        • Al llevarse a cabo en la calle, genera un movimiento de gente que hace que todo el comercio de alrededor se vea beneficiado.
     Es rentable socialmente. Porque se genera una actividad accesible a todo el mundo.
                        • Consigue movimiento de gente y una impresión positiva sobre la actividad.
     En un marco como son las fiestas, consigue dar una pincelada cultural al marco festivo. Las Artes de la Calle son un elemento cuya presencia permite que las ferias y fiestas contengan elementos lúdicos con un nivel artístico interesante.
En la actual coyuntura parece poco apropiado escribir estas líneas, pero nosotros creemos que lo mismo que no se cuestiona que las personas que se dedican al servicio público cobren su sueldo, porque ejercen su profesión de atención al ciudadano, las instituciones no van a permitir que se cuestionen las artes de la calle.
También parece poco propicio porque se acercan las elecciones y nadie va a hacernos caso. Pero lo mismo que el agua, el transporte o la recogida de residuos sólidos urbanos van a seguir manteniéndose en cualquier caso, incluso con cambios radicales en equipos de gobierno, del mismo modo creemos que nadie va a excusarse en las elecciones para dejar de brindar a los ciudadanos una oferta cultural y de interés en el espacio público.
Todas las empresas, productoras, distribuidoras y profesionales de las artes de la calle, pedimos:
     Un trato adecuado en los circuitos. Que sean recogidas las actuaciones fuera de las salas, que se estudien las formas en que pueden entrar en las redes los espectáculos de calle…
     Presencia en el debate de todos los programas de apoyo a las empresas de artes escénicas, programas específicos de impulso de las programaciones o cualquier medida con la que se busque una mayor programación de las compañías de artes escénicas, sea en sala, sea en espacios abiertos.
     El impulso en el ámbito de las fiestas de una presencia constante, como era habitual hasta ahora, de espectáculos de calle.
     El impulso por parte del ministerio de un circuito de Artes de la Calle, que permita tener la visibilidad que necesitan estas artes escénica.
     Que la SGAE cumpla la misma función que lleva a cabo en los espectáculos de sala: Seguimiento de público, protección de derechos de autor y, sobre todo, un premio Max que ponga a las artes de la calle en el lugar que se merecen.

Las compañías y profesionales que por el momento han firmado este manifiesto son: Markeliñe, Xarxa Teatre, Deabru Beltzak, Musical Sport, Antzezkizuna, Nacho Vilar Producciones, Scura Splats, Alojan Proyectos, El Espejo Negro, 23 Arts, MG Producciones, Escena D. Granada, Xabi Larrea, Ehze-Euskal Hamaika Zirko Elkartea, Latirili, Vagalume, Al Suroeste, Producciones Edúcats Montmeló, Guirigai, Teatrokdo, En la Lona, ESCENOCAM, Ganso & Cia, Ambulantes Teatro y Danza, A Priori, Visitants Cia. Teatre, Free Arts, Corrales de Comedias Teatro, La Pez, DEboteenbote, Koblakari Bizkaiko Malabaristen Elkartea, Gaupasa, Teatro de la Saca, Teatro Salitre, Oihulari Klown, Teatro de Malta, Trapu Zaharra, Kamaru, Cal y Canto Teatro, Besteok, Alicia Soto-Hojarasca, La Baldufa, Azar Teatro, AVETID, Remiendo Teatro, Alkimia Teatro, K de Calle Teatro, Standarte, Barranco Producciones, La Gotera de Lazotea, Unión de Actores de Málaga, Epse Clown, Zanguango Teatro, Art-Monium, La Recua Teatro, Producciones 099, Cia Nuro, Elfo Teatro, Circo Culipardo, Organik, Global Producciones, Katakrak, Teatro de la Resistencia, La Soluble, Nanny Cogorno, Producciones Cachivache, Caravansar Gestión Cultural, Ana López (Umore Azoka), Luis Javier Ugarte (Zornotza Aretoa de Amorebieta), Pedro Diego Hoyo (Festival Internacional "Artistas de Calle de Laredo), Juan Manuel de los Santos (Festival de Teatro de Calle de Barakaldo), José Manuel García (Diputación de Granada), Alberto (Ballet Contemporáneo de Burgos), Coral Martín Graciani (Sala Las Musas del Rincón de la Victoria), Gonzalo Andino (Revistas "La Teatral" y "Express", Festival Circada (Sevilla), Miguel Ángel Varela (Festival Andarte de Ponferrada), Betisa Anda (Centro Cultural Iortia de Altsasu), Nieves Beloqui (Técnica de Cultura del Ayuntamiento de Noain), Carmen Blasco (Responsable de Programación de la Sociedad Municipal Zaragoza Cultural), José María Asín (Coordinador Cultural del Ayuntamiento de Zizur Mayor), Festival Internacional de Teatro de Calle –Concejalía de Cultura– Ayuntamiento de Alcorcón, Isabel Mª Berral (Teatro Las Lagunas de Mijas), Eduardo López Velasco (Muestra de Teatro y Artes de Calle de Medina del Campo) y la revista EL ESPECTÁCULO TEATRAL.    


lunes, 23 de mayo de 2011

El 19 de marzo se abrió el plazo de presentación de solicitudes para la Red de Espacios Escénicos Granadinos


Las compañías profesionales interesadas en participar en el Circuito de Teatro 2012 de la Red de Espacios Escénicos Granadinos (REEG) pueden, desde el pasado 19 de mayo y hasta el 14 de octubre, enviar sus solicitudes. La entrega del material, sin embargo, se podrá realizar en dos plazos: el primero, también entre ambas fechas, y un segundo, hasta el 14 de abril de 2012, para aquellos espectáculos que justifiquen su estreno después de la fecha de finalización del primer plazo. En la propuesta de este año destaca además que, respecto a los modos en los que se pueden presentar las propuestas artísticas, al ya habitual a caché se une la opción de un fijo más taquilla a 5 euros la entrada, motivado por los recortes presupuestarios.  
Para formar parte de las compañías preseleccionadas habrá que mandar dos tipos de documentación: la relativa a la empresa o compañía, y el referente al espectáculo/s. En el primer apartado tendrá que ir incluida una fotocopia del DNI del representante legal de la formación, documentación que acredite el estar al corriente de las obligaciones tributarias, un dossier de la compañía, autorización del autor o del representante legal de la SGAE, etc. Respecto a la documentación artística, será necesaria una breve historia de la compañía, sinopsis del espectáculo y duración del mismo, ficha artística y técnica, cuatro fotos, y relación de las representaciones realizadas hasta la fecha, entre otros adjuntos. 
La valoración de los espectáculos en una primera fase la realizará una comisión compuesta por tres programadores de la REEG, dos representantes del sector y un responsable técnico del departamento de Artes Escénicas de la Diputación de Granada. Este equipo pre-seleccionará una serie de espectáculos que formarán parte del listado final de donde los programadores o técnicos de cultura de los municipios adheridos a la REEG podrán elegir los montajes que finalmente formarán parte de la programación. Entre los criterios de selección destacan la calidad y el valor artístico y/o pedagógico del proyecto, la incidencia cultural que supone para la difusión de las obras de creadores andaluces y el fomento de la creación artística contemporánea, o su idoneidad para el circuito.

viernes, 20 de mayo de 2011

El plazo de inscripción del Máster de Gestión Cultural de la UCM finaliza el 30 de mayo



Los interesados en inscribirse en la 12ª convocatoria del Máster en Gestión Cultural: Música, Teatro y Danza, que imparte la Universidad Complutense de Madrid, tienen de plazo hasta el próximo 30 de mayo para solicitar una plaza en este prestigioso curso. Precisamente este año se cumple el XX aniversario de este magíster bienal que cuenta con el apoyo de instituciones tan importantes como la SGAE, el INAEM y la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid. Entre sus logros más destacados está el que prácticamente el 100% de los 427 estudiantes que se han matriculado a lo largo de su historia contaban con un trabajo al finalizar su periodo de enseñanza. 
La edad media del estudiante del Máster en Gestión Cultural está entre 30 y 32 años, y principalmente son mujeres, ya que en cómputo global suponen un 65% frente a un 35% de hombres. Hasta el momento ha contado con personas procedentes de todos los continentes y de todas las comunidades autónomas, a excepción de La Rioja. En concreto, la procedencia geográfica de los estudiantes que han participado en estas dos décadas es la siguiente: casi un 20% son estudiantes internacionales y un 80% españoles, de los cuales un 42% residen en la Comunidad de Madrid y un 39% en el resto de autonomías. Precisamente esta diversidad geográfica motivó que desde sus orígenes las clases se impartieran fines de semana intensivos cada 15 días y por un periodo de 2 años. 
El perfil de las personas que cursan este magíster ha cambiado a lo largo de los años. En las primeras promociones un alto porcentaje de alumnos se encontraba ya trabajando en el ámbito de las artes escénicas y de la música. Actualmente ha aumentado el número de solicitantes con poca experiencia laboral en el sector cultural, pero con una alta formación universitaria, y que tienen claro que es en el terreno de la gestión cultural donde quieren dar sus pasos profesionales. 
Quizá el mayor atractivo del Máster en Gestión Cultural radica en su programa de prácticas –de las cuales, el porcentaje de remuneradas ha aumentado a lo largo de su trayectoria–, que se ofrecen a los alumnos desde su incorporación al programa hasta su finalización. El Máster ha establecido en estos años acuerdos de colaboración con un gran número de organizaciones, en concreto con 441 en 19 países, de las cuales un 11% son internacionales. El resultado es que, desde 2005 a 2010, casi el 50% de los alumnos han mejorado su situación laboral y que prácticamente todos aquellos que no tenían empleo al entrar en el Máster lograran un puesto de trabajo. Del 80% de alumnos y exalumnos de los que se poseen datos actualizados, tan solo un 2,1% se encuentran trabajando en un sector diferente al cultural. La mayoría, un 57%, trabaja en organizaciones cuya actividad principal son las artes escénicas y musicales (teatros, festivales, compañías, orquestas, productoras, distribuidoras, etc.), mientras que el 33% restante trabaja en entidades con un ámbito cultural más amplio.    

jueves, 19 de mayo de 2011

Títeres Sol y Tierra participará en el FRINGE de Edimburgo en agosto


Entre los próximos días 10 y 14 de agosto la compañía madrileña Títeres Sol y Tierra representará la obra "The princess and the dragon" en el teatro Acoustic Music Center (at St. Brides), dentro de la programación del Festival de Teatro de Edimburgo (FRINGE). El recinto que dirige John Barrow acogerá nueve representaciones de esta obra infantil, cuya versión en castellano ha superado ya las mil funciones. Esta no es la primera vez que el montaje traspasa nuestras fronteras, ya que anteriormente también se ha podido ver en otros festivales internacionales de lugares tan diversos como Taiwan (Kaohsiung), Venezuela (San Cristobal), El Salvador (San Salvador), Francia (Sant Eloy Les Mines) y Suecia (Lund). 
"La princesa y el dragón", dirigida a niños de entre 3 y 10 años y que cuenta también con una adaptación al euskera, se estrenó el 14 de febrero de 1998 en la sala Pradillo de Madrid. Narra la historia del dragón Artimañas, que amenaza con destruir el país de Tranquilia si no le entregan a la princesa Valentina. Ella decide ir a "cantarle las cuarenta", pero su padre se lo impide. Rimas, el jardinero, se ofrece voluntario para apaciguar al insolente dragón. Finalmente será la propia Valentina quien tendrá que resolver la situación. 

miércoles, 18 de mayo de 2011

El INAEM reúne a una veintena de expertos de cara a la elaboración del Plan General del Circo




Hasta hoy, 18 de mayo, el Ministerio de Cultura acoge las "Jornadas de expertos en circo" en las que 20 profesionales e instituciones de este ámbito han trabajado para analizar la situación del sector en España. El encuentro, promovido por el INAEM, forma parte de las acciones que este organismo viene realizando para la elaboración del Plan General del Circo. La reunión ha servido para redactar una Agenda Estratégica del Circo en la que se recoge el diagnóstico de los problemas claves del sector y se recopilan una serie de propuestas de futuro. 
En el transcurso de las jornadas se han abordado, entre otros, asuntos artísticos relacionados con la innovación creativa y la excelencia técnica; el papel de los promotores circenses: tradición familiar y nuevos emprendedores; la exhibición: regulaciones, itinerancia, espacios y circuitos; la formación, escuelas y carreras; las regulaciones profesionales, laborales, de sanidad animal, de homologación de equipamientos y otros; los públicos del circo; las dimensiones educativas y solidarias; y la financiación y el patrocinio. 
Entre los expertos e instituciones participantes figuran: Gonzalo Andino, de la Asociación de Circo de Andalucía; Montserrat Trías, consejera de Circo de Circ Cric; Laia Alzuela, de la Asociación de Profesionales del Circo de Cataluña; Sonia Miranda, del Circo Hermanos Rossi; Joan López, del Ateneu Nou Barris; Anne Natalie Morín, de la Escuela de Rogelio Rivel; Alfredo Fort, de Circ Cric; Ricardo Meléndez, consejero de circo del Festival de Circo de Albacete; Yolanda Castilla, consejera de Circo; Gloria Royo, representante del Ministerio de Educación; Pedro Rocamora, consejero de Circo; Manuel González, de la Unión de Profesionales y Amigos de las Artes Circenses; María del Valle, de CREAA Alcorcón; Pere Pinyol, del Circo Price; Antonio Álvarez, del Circo Sensaciones; José María González, del Circo Mundial; Donald B. Lehn, de la Escuela Carampa; María Colomer, consejera de Circo; y Rafael Plà, del Circo Gran Fele.  
Esta iniciativa responde a la petición del pasado 15 de septiembre de 2010 de la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados, a través de una Proposición No de Ley, para el fomento, preservación y difusión del sector del circo, en la que se instaba al Gobierno, entre otras medidas, a incrementar las giras circenses en España y en el extranjero, a impulsar la Red de Teatros-Circo y las giras circenses en dicha red, a afianzar el desarrollo del proyecto del Museo Nacional del Circo y a integrar a las artes circenses en el plan de actuación del futuro Centro de Recursos de las Artes Escénicas y en la política cultural del Ministerio de Cultura. 

Azar Teatro estrenará "Lilya 4-ever" en el festival FÀCYL de Salamanca



Los asistentes al Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, conocido popularmente como el TAC 2011, podrán asistir el próximo 27 de mayo a una de las representaciones de "El juicio de Dayton". Esta producción de Azar Teatro, compañía natural precisamente de la ciudad a orillas del Pisuerga, consiste en una versión libre de la película de Stanley Kramer "Inherit the wind", filmada en 1960. Además, los próximos días 10 y 11 de junio la formación estrenará en el marco del festival FÀCYL de Salamanca su nuevo proyecto escénico, "Lilya 4-ever". 
"Lilya 4-ever" es una adaptación teatral realizada por Hansjörg Betschart de la película del mismo título de Lukas Moodysson, que ha sido seleccionada por Calixto Bieito, director artístico invitado del FÀCYL, para que su estreno absoluto se produzca en el marco de este evento. En esta pieza Azar Teatro aborda la gravísima problemática social de la explotación y el abandono infantil. Lilja, una frágil adolescente, intentará sobrevivir en un sórdido mundo dominado por las mafias. Su penosa realidad, que hoy día afecta a millones de personas, será el punto de partida para una profunda reflexión sobre los valores de una sociedad enferma y deshumanizada. 
La trama de "El juicio de Dayton", por su parte, la protagoniza un joven maestro llamado Bertram T. Cates, quien ha sido sometido a juicio por violar una ley del estado de Tennessee, en Estados Unidos. El "grave" delito que se le imputa es haber enseñado la teoría de la Evolución de Darwin a un grupo de estudiantes de secundaria.  

martes, 17 de mayo de 2011

El actor Xavier Serrat protagoniza "Cuando se apaguen las velas" en el Guasch Teatre



Dante es un claro ejemplo de superación personal. A pesar de que hace casi dos años que se ve obligado a moverse en silla de ruedas, ha seguido trabajando hasta el día de hoy, el día señalado para su jubilación. Tan solo necesita acabar un último encargo y podrá irse para siempre. Dejar atrás todo el sufrimiento que ha tenido que soportar durante estos últimos años. Y es que su historia sería una historia como la de muchos otros si no fuese por que Dante... trabaja como asesino a sueldo. Su último trabajo será totalmente distinto a los anteriores, porque las víctimas las ha elegido él... y tiene una buena razón para ello. 
Este es el impactante argumento de "Cuando se apaguen las velas", el texto de Eric Romero que se representa en castellano en el Guasch Teatre de Barcelona desde el pasado 12 de mayo. Miquel Murga dirige este montaje que cuenta con la presencia en el papel principal del actor Xavier Serrat.  

Pentación estrenará en diciembre la primera versión teatral de "Madame Bovary"


Jesús Cimarro, productor de la obra, junto a los actores Armando del Río, Ana Torrent, Juan Fernández y Fernando Ramallo, y la directora de la versión, Magúi Mira (a la derecha).


Desde niña, Magüi Mira, oveja negra de su familia, se sintió próxima a la figura de la Emma Bovary de Gustave Flaubert. En 1989 recibió la propuesta del Centro Dramático Nacional para realizar un monólogo basado en el clásico de la novela realista francesa, proyecto que no pudo aceptar en aquel momento y que terminó protagonizando Enriqueta Carballeira. El próximo 2 de diciembre verá su sueño cumplido, pero en forma de directora de escena, en el teatro Principal de Alicante. 
Veinte años después, la “absoluta contemporaneidad” de "Madame Bovary"  ha animado a Magüi Mira a dirigir la primera versión teatral hecha en España de la novela, para lo que ha contado con la versión realizada por Emilio Hernández y el apoyo de Pentación para la producción y distribución de la obra. El elenco de actores está formado por Ana Torrent y Juan Fernández, en los papeles del matrimonio de Emma y Carlos Bovary, y Armando del Río y Fernando Ramallo, que interpretan a los dos amantes de Emma, Rodolfo Boulanger y León Dipuis, respectivamente. 
Tras el estreno de la obra, cuyos ensayos darán comienzo el próximo mes de septiembre, el montaje proseguirá con sus representaciones hasta llegar al teatro Bellas Artes de Madrid en enero de 2012.

lunes, 16 de mayo de 2011

La CNTC invita a Teatro del Velador a representar "Las gracias mohosas" en el teatro Pavón


Para cerrar su temporada 2010/2011, la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha invitado a Teatro del Velador a representar una de sus producciones en el teatro Pavón de Madrid del 3 al 19 de junio. Se trata de "Las gracias mohosas", de Feliciana Enríquez de Guzmán, la primera dramaturga española, quien nació en Sevilla a finales del siglo XVI y que escribió esta breve obra exactamente en 1619. De la dirección escénica de esta versión se encarga Juan Dolores Caballero. 
Poco se sabe de Feliciana Enríquez de Guzmán excepto que tuvo dos hermanas monjas en el convento de Santa Inés de Sevilla. De hecho, escribió "Las gracias mohosas" para entretener las largas horas de clausura. Se trata de un texto breve donde triunfa lo disparatado, lo burlesco, la imagen de un mundo fuera de toda norma. En la función, el amor se instaura de manera transgresora y divertida: los protagonistas, seis hombres nada menos, se vienen a enamorar de la misma mujer, Aglaya, con la que se quieren casar. Pero es imposible llevar a cabo la unión, pues tiene dos hermanas que también han de contraer matrimonio. Para poder elegir el novio adecuado para cada una de ellas, el padre, Baco, convoca una justa donde se deben batir los pretendientes merecedores de la mano de sus hijas. Pronto se comprobará que lo mejor para todos es que se casen los seis con las tres... 
En sus once años de existencia Teatro del Velador se ha planteado la búsqueda y la investigación en el ámbito contemporáneo como manera de crear y definir un lenguaje propio. Desde sus inicios define su teatro como teatro "bruto", bebiendo y basándose en el "arte bruto", donde las técnicas y los sistemas de representación proceden de una invención completamente personal. Si hay un común denominador en sus propuestas podría ser el de la obsesión por los motivos de lo feo y el deshecho humano, el desequilibrio, el exceso y lo inacabado.


El hierro se convierte en protagonista absoluto de "Burnia", de Aukeran


En Bilbao y en su entorno, en Vizcaya, todo es hierro. Fue el hierro el que hizo a sus habitantes y el que después los arrodilló. Vibró en la ferrerías, en los altos hornos, hirvió en las guerras, tanto en las Carlistas como en la Guerra Civil. El hierro los ha transportado en forma de tren o en forma de barco; incluso todavía hoy viven encima de puentes de hierro. Hasta su cerebro es de hierro. Ahora le toca el turno a la compañía Aukeran de bailar sobre el hierro en su espectáculo "Burnia (Hierro)", que se estrenará los días 9, 10 y 11 de junio en el teatro Arriaga de la ciudad del Nervión.
La formación desestructura aquí muchas de sus normas y añade retazos contemporáneos en las coreografías, con la intención de mostrar más allá de sus límites la riqueza del baile tradicional vasco y conseguir un lenguaje más fresco y actual.
Aukeran ha representado hasta ahora en el escenario del Arriaga sus tres últimos espectáculos: "Izena duen guztia omen da (Todo lo que tiene nombre existe)", "Bideak" y "Gernika", dirigidos todos ellos por Edu Muruamendiaraz, al igual que ocurre en "Burnia". En esta ocasión el teatro Arriaga ha querido dar un paso más, no limitándose a prestar su espacio para las funciones de esta avalada compañía, por lo que ha participado en la producción de este nuevo espectáculo marcado por la investigación y el rigor estético. De su distribución se encarga Glu Glu Producciones.  

El Teatro de La Abadía trae por primera vez a España "Kaspar", de la compañía alemana Theater an der Ruhr



"Kaspar", uno de los grandes textos del escritor alemán Peter Handke, llega al madrileño Teatro de La Abadía con una puesta en escena histórica estrenada en 1987 y retomada después en varias ocasiones. México, Polonia, Irak o Suecia son solo una muestra de los más de los treinta países que Theater an der Ruhr, responsable de este montaje, ha visitado a lo largo de su carrera. En este caso será la primera vez que esta obra se pueda ver en España, lo que sucederá del 1 al 4 de junio y dentro de la programación del Festival de Otoño en Primavera. 
Kaspar Hauser fue un adolescente alemán que un día apareció como salido de la nada, sin padres, ni parientes, vestido con harapos, demacrado y aterrorizado, repitiendo una sola frase: "Quiero ser un jinete, como mi padre lo fue una vez". Handke ha transformado esta frase en una más universal: "Quiero ser una persona como cualquier otro lo fue alguna vez". Tras su aparición, el chico fue encarcelado y misteriosamente asesinado. En su obra, Handke juega aquí con el doble sentido de la palabra "kaspar", que significa "payaso" en alemán. De hecho, el rostro del actor que interpreta a Kaspar es como una máscara que no cesa de mostrar su asombro. 
"Kaspar" fue estrenada originalmente en 1967 en dos ciudades alemanas al mismo tiempo. En uno de esos montajes, el del Theater am Turm de Villingen (Alemania), actuaba José Luis Gómez, director del Teatro de la Abadía, quien además la montó a su regreso a España en 1973. 

La sala Cuarta Pared vuelve a acoger la ironía kafkiana de "La ventana de Chygrynskiy"


En la recta final de su programación en el año de su XXV aniversario, la sala Cuarta Pared de Madrid rescata uno de los espectáculos más aplaudidos de la temporada: "La ventana de Chygrynskiy", de la compañía madrileña Teatro El Zurdo. El montaje, con texto de José Ramón Fernández, regresa después de haber sido estrenado en esa misma sala el pasado mes de enero, cuando sorprendió por su frescura, humor, ironía y por el poso de reflexión que deja. La obra permanecerá en la cartelera madrileña entre el 9 de junio y el 3 de julio. 
En palabras de su autor, "'La ventana de Chygrynskiy' es la cuarta parte de una trilogía. Con El Zurdo pasan estas cosas. Hay trilogías con cuatro partes. Las tres anteriores comedias zurdas se vieron juntas en Cuarta Pared, que, dicho sea de paso, es una pared que no existe. Como dijo Sancho Panza, esto es un poco kafkiano". Y tanto, ya que en esta obra que dirige Luis Bermejo hay un futbolista famoso que puede ver cómo nieva en Ucrania desde su ventana de Barcelona, un vecino que cada noche se duerme en su cama y se despierta Dios sabe donde, una chica que oye lo que piensa la gente... El espectador asiste a pequeñas escenas que suceden en el inmueble donde vive el futbolista, entrando en cada casa, cada historia, cada vida. 

jueves, 12 de mayo de 2011

El Reina Sofía acogerá la mezcla de realidad y teatro que encierra "Ejercicios de amor"


Poco a poco el Museo Reina Sofía de Madrid ha pasado de ser un espacio no convencional para las artes escénicas a convertirse en escenario habitual de espectáculos de teatro y danza. El próximo 18 de mayo será el montaje "Ejercicios de amor", de la compañía valenciana El Pont Flotant, el que se desarrollará en sus instalaciones coincidiendo con el Día Internacional de los Museos. Esta actividad se incluirá en el amplio programa que se llevará a cabo con motivo de esta celebración y que contendrá también, bajo el lema "El otro museo", itinerarios temáticos a cargo de mediadores culturales, la presentación de su propia radio o visitas a su taller de restauración y a nuevas exposiciones. 
"Ejercicios de amor" parte de la investigación y el análisis, a modo de laboratorio, del mundo de las emociones. Propone a los espectadores ser testigos de las diferentes partes de una celebración: la bienvenida, la presentación, la ceremonia, el convite, el fin de fiesta... Se trata de una manera particular de celebrar la unión entre personas, una fiesta sencilla e íntima a mitad de camino entre el teatro y la realidad, donde el espectador es el invitado. 
El Pont Flotant inició su trayectoria en Valencia en 2000. Desde el principio a sus miembros les ha interesado la búsqueda de lenguajes teatrales particulares, alejados de tendencias y exigencias comerciales. Características de su trabajo son la experimentación sobre realidad y ficción, el trabajo del actor y su relación con el espacio escénico y el público, y los límites del lenguaje. 

La tragedia filtrada a través de los medios, a examen en "Horror circus.tv"


La compañía Residui Teatro vuelve a reflexionar sobre la sociedad contemporánea y reabre el desafío del teatro como instrumento de transformación social en "Horror circus.tv". Este montaje de la formación italiana afincada en Madrid habla de los horrores y del filtro anestésico que los medios de comunicación interponen entre la realidad y nuestros ojos. Su estreno en España se producirá los próximos días 24 y 25 de mayo en el teatro Casa de Vacas del parque de El Retiro de Madrid. 
Residui Teatro nació en Roma a partir de un taller de investigación teatral dirigido por Paolo Vignolo (sociólo y director) y Marta Ruiz (coreógrafa de Adra-Danza, Colombia), y desde 2000, año en el que toma el nombre de Residui Teatro, es dirigida por Gregorio Amicuzi. Desde entonces sigue la idea de un teatro que transforma y que toca el frágil mundo cotidiano. En estos once años la formación ha realizado espectáculos para niños y adultos, y ha creado actividades teatrales en la calle y performances en espacios no convencionales como el metro o edificios abandonados. En noviembre de 2007 se mudó a Madrid, donde inició un nuevo recorrido para desarrollar proyectos artísticos-teatrales y culturales entre Italia, España y Latinoamérica. Además, en 2009 inauguró su propio espacio: el Centro de Artesanía de las Artes Escénicas.  
En "Horror circus.tv", montaje dirigido por Gregorio Amicuzi, una presentadora seductora nos introducirá en los horrores del mundo, nos hablará de los verdugos que los causan, de las víctimas que los sufren, y de los indiferentes que los contemplan. El público participará en el plató y será invitado a reflexionar sobre cuál es su posición en relación a estos hechos.

miércoles, 11 de mayo de 2011

La compañía Caterva Lupana inicia su democrática trayectoria con "Don de genes"


El próximo 13 de mayo tendrá lugar un doble alumbramiento: por un lado, el de la nueva compañía teatral Caterva Lupana, que dirige Toni Martínez, y, por otro, el de su primer proyecto escénico, "Don de genes". La presentación de la formación, que cuenta con la asesoría dramatúrgica de José Sanchís Sinisterra y la colaboración de Óscar Guedas, y de su obra de debut, cuyos ensayos comenzaron en septiembre de 2010, tendrá lugar en el teatro del colegio mayor Elías Ahuja de Madrid. De su distribución se encarga Barranco Producciones.  
Caterva Lupana fue fundada en julio de 2010 con 16 actores y actrices seleccionados de entre los 94 que realizaron el casting al que aspiraron 442 profesionales. La filosofía y espíritu de la formación es la de crear obras originales con un alto nivel de exigencia, tanto en el trabajo textual como en la interpretación, que irán conformando un repertorio propio, procurando conseguir que tenga una calidad relevante. Aunque cuenta con su propio director y con colaboradores dramatúrgicos, sus montajes se irán elaborando con la participación creativa de todos sus miembros. Todos ellos tienen voz y voto y derecho a opinar y a aportar ideas, aunque la última decisión en cuestiones artísticas la tiene el director, que ejerce de catalizador de las distintas aportaciones para que la obra tenga unidad, coherencia y homogeneidad en cuanto a la interpretación y desde el punto de vista dramatúrgico. En el caso de "Don de genes", Caterva Lupana empezó el proceso de creación con un doble elenco, lo que fue muy interesante para la retroalimentación de actores y actrices, que trabajaron los personajes en parejas. Actualmente el elenco de la compañía se compone de 11 actores: 9 titulares y 2 covers. 
"Don de genes" es una obra que habla de las personas, de la manipulación emocional que ejercemos consciente o inconscientemente para conseguir nuestros objetivos o para evitar que descubran nuestras fragilidades, y de la manipulación genética, a la orden del día, dirigida a conseguir ideales de perfección absurdos o cuanto menos muy cuestionables. En ella, nueve personajes con características diferentes representan varias tipologías de personalidad humana. Con ellos los espectadores compartirán la vivencia de diversas emociones, a veces profundas, otras tensas, algunas hilarantes, y también de comportamientos deleznables que contrastarán con otros nobles, , extraños, insólitos e incluso divertidos. 

"Mejorcita de lo mío" vuelve a la sala donde se estrenó, la Triángulo de Madrid


"Mejorcita de lo mío" regresa a la sala Triángulo de Madrid –donde se estrenó en agosto de 2007– para estar en cartel todos los domingos de mayo y junio. El espectáculo ha sido producido por EscénaTe y es una creación de La Escapista Teatro dirigida por Fernando Soto e interpretada por Pilar Gómez. Esta veterana producción cuenta a sus espaldas con una larga gira con más de 200 representaciones por toda la geografía española, en la que se incluyen escalas en muestras de la talla de la FiraTàrrega, Escena Contemporánea o la Muestra de la Red de Teatros y Salas Alternativas, por mencionar solo algunas.  
"Mejorcita de lo mío" se define como un vuelo sin motor, un recorrido personal por aquellos momentos en la vida que de alguna manera nos dejan marcas, para bien o para mal. La eterna pregunta de "¿quién soy yo?" hará que se destapen nuevas cuestiones sobre el escenario. El montaje constituye un paseo por algunas de esas experiencias, unas veces positivas y otras no tanto, en las que nos vamos encontrando con la duda, el miedo, la risa, el cuerpo, la Virgen del colegio, las monjas, los scouts, la Tierra, el indio Seattle, Huelva, el desamor, la pena, los amigos, la voz de tu madre... Y como la vida a veces se empeña en dejarnos heridas, pues no queda más remedio que curarlas... porque una cicatriz bien puesta puede ser incluso bonita. 

martes, 10 de mayo de 2011

L'Home Dibuixat inicia una nueva gira europea con "Pedra a pedra"



A la compañía castellonense L'Home Dibuixat no le da prácticamente tiempo a deshacer las maletas cuando ya tiene otro viaje a la vista con su exitoso montaje para todos los públicos "Pedra a pedra". Tras recorrer medio mundo cosechando aplausos, la formación emprende este mes de mayo una nueva gira por Europa que comenzará mañana 11 de mayo en Yverdon-Les-Bains (Suiza). De allí se trasladará a la Bretaña para mostrar la versión francesa "Pierre à pierre" en las localidades de La–Feté–Macé y Donfront. El periplo finalizará en la península Ibérica, donde realizará seis actuaciones, dentro de la programación del festival Sementes de Portugal, en las ciudades de Santarem y Almada y, ya en junio, en el teatro Tempo de Portimao. 
Mas de 600 funciones y numerosos galardones, como el premio FETEN 2008 al Mejor Espectáculo de Pequeño Formato o el premio Drac d'Or de los Espectadores al Mejor Espectáculo para Niños de la Feria de Teatre de Titelles de Lleida 2009, avalan a "Pedra a pedra", una poética obra escrita y dirigida por Rosa Díaz. En ella, el actor y manipulador Tian Gombau muestra a los espectadores su más preciado tesoro: una colección de piedras en la que, si se presta atención, se puede ver algo más que simples minerales. Se trata, sin duda, de una propuesta dirigida a despertar la imaginación de los niños a través de los objetos inanimados. 

"La función por hacer", con siete galardones, triunfó en la XIV edición de los premios Max


Este año no hubo lugar a dudas. "La función por hacer", de Kamikaze Producciones, resultó, con sus siete galardones, la gran triunfadora de la noche de los premios Max, que se celebró en el Gran Teatro de Córdoba ayer, 9 de mayo. En concreto este montaje ganó en las categorías de Mejor Espectáculo de Teatro, Mejor Director de Escena para Miguel del Arco, Mejor Adaptación de Obra Teatral, Mejor Actor de Reparto para Raúl Prieto, Mejor Actriz de Reparto para Manuela Paso, Mejor Diseño de Iluminación y Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas. Sin embargo, y curiosamente, no se alzó con ninguno de los premios principales de interpretación, que recayeron en Vicky Peña por "Marburg" y Carlos Hipólito por "Glengarry Glen Ross". Otros de los espectáculos triunfadores de la gala fueron "Nubes", de Aracaladanza, en el apartado de infantil; "El ball", de Sol Picó, en el terreno de la danza; y "Pegados", de The Kaktus Music Corporation, entre los musicales.

Relación de ganadores de los premios Max 2011

Mejor Espectáculo de Teatro
"La función por hacer", de Kamikaze Producciones

Mejor Empresario o Productor Privado de Artes Escénicas
Kamikaze Producciones por "La función por hacer"

Mejor Director de Escena
Miguel del Arco por "La función por hacer"

Mejor Actor Protagonista
Carlos Hipólito por "Glengarry Glen Ross"

Mejor Actriz Protagonista
Vicky Peña por "Marburg"

Mejor Actor de Reparto
Raúl Prieto por "La función por hacer"

Mejor Actriz de Reparto
Manuela Paso por "La función por hacer"

Mejor Espectáculo Revelación
"Dogville", de Rayuela Producciones Teatrales

Mejor Escenografía
Andrea d'Odorico por "Glengarry Glen Ross"

Mejor Diseño de Iluminación
Juanjo Llorens por "La función por hacer"

Mejor Figurinista
Elisa Sanz por "Nubes"

Mejor Adaptación de Obra Teatral
Miguel del Arco y Aitor Tejada por "La función por hacer"

Mejor Autor Teatral en Castellano
Francisco Nieva por "Tórtolas, crepúsculo y telón"

Mejor Autor Teatral en Catalán o Valenciano
Alfredo Sanzol por "Delicades"

Mejor Autor Teatral en Gallego
Quico Cadaval por "Shakespeare para ignorantes"

Mejor Autor Teatral en Euskera
Agurtzane Intxaurraga y Arantxa Iturbe por "Aitarekin bidain"

Mejor Composición Musical para Espectáculo Escénico
Carles Santos y Ara Malikian por "La lucha libre vuelve al Price"

Mejor Espectáculo de Danza
"Wonderland", de Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid

Mejor Coreografía
Sol Picó por "El ball"

Mejor Intérprete Masculino de Danza
Israel Galván por "La lucha libre vuelve al Price"

Mejor Intérprete Femenina de Danza
Sol Picó por "El ball"

Mejor Espectáculo Infantil
"Nubes", de Aracaladanza, Sadler's Wells Theatre, Danceeast, Mercat de les Flors y Auditorio de Tenerife

Mejor Espectáculo de Teatro Musical
"Pegados", de The Kaktus Music Corporation

Mejor Director Musical
Joan Miquel Pérez por "Pegados"

Premios Max a las Nuevas Tendencias
Certamen Coreográfico de Madrid

Premio Max de la Crítica
Festival Don Quijote de París

Premios Max Iberoamericano
Festival del Sur - Encuentro Teatral Tres Continentes

Premio Max de Honor
José Monleón

lunes, 9 de mayo de 2011

"Pasión barroca", lema de la XXXIV edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro




La recién creada Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro organizará este año la XXXIV edición de este evento, que se celebrará en la localidad ciudadrealeña entre los días 1 y 24 de julio. Bajo el lema de "Pasión barroca", contará con un total de cuarenta y nueve compañías participantes: treinta y una españolas, cinco de música y trece extranjeras, llegadas desde Argentina, Chile, China, Colombia, Estados Unidos, Francia, Líbano, Portugal y Reino Unido. A estos hay que sumar trece espectáculos familiares y uno de danza. De entre todos estos montajes, quince son estrenos: nueve absolutos y seis en España. 
Shakespeare, con siete obras; Lope de Vega, con seis; Calderón de la Barca, con tres y Cervantes, con dos, copan la clasificación de los autores más representados en esta edición del Festival de Almagro, aunque también habrá hueco para otros dramaturgos como Fernando de Rojas, Tirso de Molina, Guillen de Castro o John Webster. Entre los contemporáneos, estarán presentes Nathalie Fillion, Agustín Iglesias, Paco Bezerra, José Padilla o Don Yansheng. 
Durante la jornada inaugural se hará entrega del premio Corral de Comedias a la actriz, gestora y directora de escena Nuria Espert en el recinto escénico que da nombre al galardón. Andrés Peláez también será homenajeado en el mismo lugar, pero el día 12 de julio, por su larga trayectoria como documentalista, comisario de exposiciones y creador y director del Museo Nacional del Teatro, con sede en Almagro. 
Respecto a la primera edición del Certamen Internacional "Almagro Off", que se celebrará este año, la alta participación ha marcado su desarrollo. Se presentaron un total de sesenta y dos proyectos de doce países. Finalmente han sido diez los espectáculos seleccionados, cinco españoles y cinco extranjeros, que se podrán ver entre el 5 y el 14 de julio en La Veleta. Los ganadores cerrarán la programación del Patio de Fúcares.  
Muchos son los espectáculos que se podrán ver este año en el emblemático Corral de Comedias, entre los que sobresalen "Las raíces del Quijote", de Ítaca Teatro; "Giulietta", de Pepa Plana; "El castigo sin venganza", de La Sudestada (Argentina); "Canterbury", de Nurosfera; "El galán de la Membrilla", de la Compañía Teatro Cachivaches; "La tempestad", de la Companhia do Chapitô (Portugal) o "Mirando a Mozart", de Nola Rae (Reino Unido). Otras de las producciones más destacadas de esta edición serán "La Celestina", de Secuencia 3; "Los empeños de una casa", de la Academia del Verso y Es.Arte; "Macbeth", de Ur Teatro; "Las mujeres de Shakespeare", de El Brujo Producciones; "La dama boba", de Réplika Teatro; o "La violación de Lucrecia", de Producciones Seoane. 

La Quintana Teatro prepara un nuevo montaje sobre las enfermedades mentales



La compañía madrileña La Quintana Teatro, ganadora del premio Max al Mejor Espectáculo Revelación en 2008 por su montaje "Desde lo invisible", prepara actualmente un nuevo proyecto escénico que llevará el título de "Realidades". Este espectáculo, que girará en torno a las enfermedades mentales y que está previsto que se estrene en Madrid a finales de septiembre, contará con las interpretaciones de Victoria Teijeiro, Marian Degas y Ane Miren La Fuente, quienes seguirán las directrices de Rolando San Martín. Mientras tanto, la formación regresará a la capital con su segunda producción, "Innómines (camino a la felicidad)", que se podrá ver en la sala Tarambana los días 14 y 15 de mayo. 
"Innómines (camino a la felicidad)" es un espectáculo de creación que surgió como un proceso de investigación sobre el tema de las adicciones y las drogas, sobre la problemática que se esconde detrás de una dependencia. Una terapia de grupo es la excusa que en la obra sirve para dar nombre y voz a madres, padres, hijos, amigos, adictos, que en un momento decisivo de sus vidas se han visto obligados a pararse y tomar un nuevo rumbo en sus vidas. La galería de personajes que cobran vida ante el espectador no son fruto de ninguna fantasía, sino vecinos, familiares o transeúntes que tal vez le sean fáciles de reconocer. De darles vida se encargan Paco Navarro y Victoria Teijeiro, mientras que de la dirección del montaje se responsabiliza Luis Blat.

viernes, 6 de mayo de 2011

EDITORIAL MAYO 2011: "Una sola voz hacia la nada"


Fue estupenda la foto: Trinidad Jiménez y Ángeles González-Sinde posando juntas en el Instituto Cervantes el pasado 6 de abril. Titulaba El País: “Una sola voz hacia el mundo”. El encuentro tenía como objetivo mostrar el Plan Nacional de Acción Cultural Exterior, con el que se pretende unificar la acción cultural española en el extranjero de los dos ministerios. Lo que quería hacer César Antonio Molina y encontró la oposición de Moratinos, el ministro de aspecto bonachón/tontorrón y comportamiento despótico y colérico.
Bueno, pues lo que parecía algo maravilloso se veía enseguida que no tenía nada de sustancia, que todo formaba parte del último capítulo de aquel divertido libro de Woody Allen titulado “Cómo acabar de una vez por todas con la cultura”. Sólo que este último capítulo, dictado por Rodríguez Zapatero, no tiene puñetera la gracia.
Después de recordar que “la cultura nos aporta una herramienta fundamental para proyectar la imagen de un país moderno, dinámico, diverso y plural” y hablar del potencial económico del sector (800.000 empleos, el 4% del PIB) y más bla, bla, bla , las ministras tuvieron que admitir que el plan no tiene dotación económica pero contempla la creación de un consejo asesor y un foro consultivo. O sea, que es como el plan que hemos organizado en EL ESPECTACULO TEATRAL para salvar el mundo…
El plan para acabar con la cultura tiene su continuación en esa convocatoria de subvenciones, presentada el miércoles santo, instantes antes de que comience uno de los éxodos vacacionales más importantes y largos del año y poco antes de que llegue otro puente festivo, el del 2 de mayo, que ésta vez no afecta sólo a la Comunidad de Madrid –donde se da la casualidad de que se encuentra uno de los mayores porcentajes de empresas teatrales del país– sino a más comunidades que han trasladado al lunes la festividad del Día Internacional del Trabajo. No pasaría nada, si no fuera porque el plazo para presentar la documentación es de apenas veinte días…
A todo esto se añade el drástico recorte presupuestario para la Acción Cultural Española decidido por el Gobierno dentro de su plan de austeridad.
Como ciudadano que paga sus impuestos (muchas veces con recargos que parecen usura) y sus multas de tráfico por circular a 90 km/h en el comienzo de la N-V empiezo a estar más que harto de que los recortes siempre sean para cosas importantes para nuestro sector. Sin embargo, para mandar tropas a Afganistán o prorrogar hasta tres meses lo que iba a ser una misión de “apenas” treinta días en Libia sí hay dinero. O para salvar Cajas de Ahorros que han ayudado a financiar obras públicas tan necesarias como los aeropuertos de Ciudad Real o Castellón…
Me siento como Mourinho ante la UEFA: si digo realmente todo lo que pienso del Gobierno, de la oposición, de los eurodiputados, de los políticos que nos manejan en comunidades autónomas y ayuntamientos, en los términos en que lo querría hacer y con la violencia que querría emplear sé que sería encarcelado inmediatamente y enviado a Guantánamo. Como la famosa pataleta de Arturo Pérez Reverte, lo que me brota desde hace tiempo es bilis y una indisimulada mala leche. Pero urge que alguien, con más inteligencia, dominio de sí mismo y capacidad de gestión empiece a hacer algo en nombre de todo el sector.

Jesús Rodríguez Lenin
Editor

Setenta actividades compondrán la programación de Clásicos en Alcalá 2011



Desde el próximo 16 de junio y hasta el 3 de julio se desarrollará en la localidad madrileña de Alcalá de Henares la undécima edición del festival de artes escénicas Clásicos en Alcalá. Setenta actividades tendrán lugar en ocho espacios de la cuna de Cervantes, de la mano de 26 compañías procedentes de España, Estados Unidos e Italia. En concreto se llevarán a cabo 23 espectáculos de teatro, música y danza (de los que se ofrecerán 41 representaciones), tres montajes dentro de la campaña escolar (de los que habrá seis funciones), ocho talleres infantiles (de dos sesiones cada uno), dos exposiciones y cinco conferencias. 
De entre todos los lugares en los que se exhibirán los montajes seleccionados destacan por sus características dos: el Corral de Comedias y el Teatro Salón Cervantes. En el primero arrancará el festival con la puesta en escena de "La violación de Lucrecia", de Juanjo Seoane Producciones, con la presencia de Nuria Espert y la dirección de Miguel del Arco, que se podrá ver los días 16, 17 y 18 de junio. En este mismo espacio se representarán "Los caprichos de Cavalier Merula", de Caravaggia y Marta Infante (19 de junio); "El amor enamorado", de La Caimana (22 y 23 de junio); "Los empeños de una casa", de la Academia del Verso de Alcalá (24, 25 y 26 de junio); "Chafarderías", de Grappa Teatre (28 y 29 de junio); "La batailla en spagnol", de Capella de Ministres (30 de junio); y "La escuela de la desobediencia", de Producciones Andrea D'Odorico y Teatro Portátil (1, 2 y 3 de julio).
Las tablas del Teatro Salón Cervantes verán, como estreno absoluto, el regreso al teatro de Gemma Cuervo en el espectáculo "La Celestina", bajo la dirección de Mariano de Paco Serrano y la producción de Secuencia 3 y Allí, los días 17 y 18 de junio. Además acogerá el espectáculo "Los 7peca2 capitales", de Producciones Imperdibles, incluido en la sección "Otra mirada a los Clásicos"; "Tartufo", de Lazona (21 y 22 de junio); "El castigo sin venganza", de Rakatá Producciones (23 y 24 de junio); "Macbeth", de Ur Teatro, dirigido por Helena Pimenta (25 y 26 de junio), "Coplas a la muerte de su padre", de Amancio Prada y el Teatro de la Abadía (27 de junio), "Un bobo hace ciento", de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (30 de junio y 1 de julio), y "Los locos de Valencia", de Teatres de la Generalitat Valenciana (2 y 3 de julio).
De más allá de nuestras fronteras llegará la compañía The Cross Border Proyect, de Nueva York, que representará "De Fuenteovejuna a Ciudad Juárez" los días 2 y 3 de julio en el Patio de la Antigua Hospedería de Estudiantes. Y desde Italia acudirá el Nuovo Teatro Nuevo, que ofrecerá los días 19 y 20 de junio la obra "Don Chisciotte" en el Teatro La Galera.
En Clásicos en Alcalá también tendrán cabida los espectáculos de calle, las exposiciones y las conferencias de la "Academia de espectadores". Y para la creación de nuevos públicos se realizará el "Taller de versos antiguos para niños modernos", y la campaña escolar, que tendrá lugar en octubre y estará compuesta por tres espectáculos: "Cyrano de Nueva Orleans", de Uroc Teatro; "Los empeños de una casa", de la Academia del Verso de Alcalá; y "Don Juan Tenorio", de Teatro del Temple. 

jueves, 5 de mayo de 2011

Dieciocho compañías participan hasta el 31 de diciembre en Danza a Escena 2011


De izda. a dcha: Gerardo Ayo, presidente de La Red; Lydia Azzopardi, de Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa; Omar Meza, de DA.TE Danza; Juan de Torres, presidente de FECED; y Félix Palomero, director general de INAEM.


La sala multiusos del teatro de Valle-Inclán de Madrid acogió ayer, 4 de mayo, la presentación ante los medios de la segunda edición Danza a Escena, circuito artístico que de nuevo ha sido promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública, y en el que esta vez participarán 18 compañías en 77 espacios escénicos. Al acto asistieron Félix Palomero, director general de INAEM; Gerardo Ayo, presidente de La Red; Juan de Torres, presidente de la Federación Estatal de Compañías y Empresas de Danza (FECED); así como dos de los coreógrafos de las compañías participantes: Lydia Azzopardi, de Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa, y Omar Meza, de DA.TE Danza. 
Danza neoclásica y contemporánea, flamenco, lenguajes urbanos o claqué son algunos de los géneros que se llevarán a cabo en esta edición que comenzó el pasado mes de abril y que se prolongará hasta el próximo 31 de diciembre, ya que su duración se ha ampliado respecto al año pasado.
Ocho compañías ofrecerán sus más recientes proyectos artísticos dedicados a la danza contemporánea. Las formaciones vascas Noemí Viana & Jesús Rubio y Natxo Montero Danza presentarán, respectivamente, los espectáculos "Menú del día" y "Carni di prima qualitá". La obra de Leonardo da Vinci inspira otro de los montajes seleccionados, "1,618... Da Vinci", de la compañía afincada en Valencia Cienfuegos Danza. La producción coreográfica catalana llegará de la mano de cinco compañías. Los creadores e intérpretes Claire Ducreux y Toni Mira ofrecerán sus mejores cualidades en el espectáculo "En attendant l'inattendu", de Nats Nus Dansa. El "reality" poético y la pornografía más emocional se unen en "El mal menor", la quinta pieza de Loscorderos.sc. Gelabert-Azzopardi Companyia de Dansa celebrará su trigésimo aniversario sobre los escenarios con la reposición y actualización de "Belmonte". Thomas Noone Dance, por su parte, ofrecerá su último espectáculo, "The room", mientras que Bebeto Cidra Compañía de Danza girará con el montaje "Suites de Bach, una trilogía".
Cinco son los espectáculos que el circuito oferta específicamente al público infantil. DA.TE danza, compañía granadina galardonada con el premio FETEN 2011 al Mejor Espectáculo Coreográfico, presenta "Río de luna". Las nuevas tecnologías y los recursos visuales son las señas de identidad de "Paisajes" y "Zing-zing", que firman la creadora madrileña Marisa Amor y la compañía catalana Roberto G. Alonso respectivamente. La esencia del juego inspira la última creación de la Companyia Dansa Mariantònia Oliver, titulada "nOu". Y la relación de propuestas para niños se cierra con "Nubes", de Aracaladanza.
Respecto a otros géneros, la obra "Tripolar", del tándem formado por el sevillano Marco Vargas y la bailarina canadiense Chloé Brûlè, cuenta con la música en directo del guitarrista y cantaor Juan José Amador. El estilo neoclásico dibuja el código estético de "Payasos divinos", un trabajo de la formación aragonesa LaMov Compañía de Danza. En "Mintzo", la donostiarra Dantzaz Konpainia presenta al público las creaciones de cuatro coreógrafos emergentes: Sophie Antoine, Hilde Koch, Eric Gauthier y Jone San Martín. "ScRakeja't", de CobosMika Company, es un espectáculo dirigido al público familiar que fusiona la danza contemporánea y hip-hop. Por último, el telón de la segunda edición de Danza a Escena lo bajará la esencia del claqué que encierra "TapArpègics", de Clac & Roll.
Once comunidades autónomas –Andalucía, Castilla y León, Castilla-La Mancha, Comunidad Valenciana, Madrid, Aragón, Navarra, Cataluña, Asturias, Canarias y País Vasco– colaboran este año con este circuito. El aumento del volumen de representaciones y de espacios participantes de esta edición auguran que se superarán con creces los doce mil espectadores de su primera edición. La Red cofinancia con los espacios escénicos participantes los cachés de los espectáculos seleccionados, aportando un 50% del mismo. La selección de las obras programadas ha sido realizada por los espacios participantes a partir de un catálogo elaborado por la Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de La Red. 

miércoles, 4 de mayo de 2011

"Smile", un alocado espectáculo de music-hall para toda la familia



Muchas son las características que se concentran en "Smile", la más reciente creación de la compañía burgalesa Teatro La Sonrisa. Se trata de un espectáculo de clown para salas, dirigido a niños a partir de 6 años y público familiar, que cuenta con música y voz en directo, que hace uso del inglés y de las tecnologías multimedia, cuenta con la participación del público, tiene un objetivo pedagógico y, por si fuera poco, es muy, muy divertido. Su estreno tuvo lugar los pasados días 18 y 19 de abril en el teatro Principal de Burgos. 
La trama se centra en un empresario del espectáculo al borde de la ruina que quiere levantar su empresa contratando a una gran diva extranjera y excéntrica. Con la ayuda de su pianista, con el que lleva toda la vida trabajando, intentará sacar adelante el espectáculo, originando un sinfín de situaciones hilarantes en los ensayos previos. Todos ellos demostrarán que constituyen tres personajes con muchas diferencias pero con algo muy fuerte en común: el amor por la música.
Javier Rey Ruiz en la piel de Bossonovo, Alicia Benito Román en la de Divine, y Agustín López Messeguer en la de Chopito interpretan este montaje inspirado en el mundo del music-hall y que dirige Miguel Muñoz. De su distribución se encarga la propia compañía junto a la empresa Aire Aire. 

martes, 3 de mayo de 2011

Flamenco, teatro y humor se fusionan en "La Gloria de mi mare", de Choni Cía. Flamenca


Foto: Félix Vázquez.


Después de su estreno en la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla, y tras colgar en varias ciudades españolas el cartel de "no hay entradas", la obra musical "La Gloria de mi mare", la más reciente propuesta de Choni Cía. Flamenca, llegará al teatro Lope de Vega de la ciudad hispalense para reencontrarse con su público entre los días 27 y 28 de mayo. Este espectáculo, que contará una vez más con la colaboración especial de Manuel Lombo, volverá a ofrecer su perfecta fusión de flamenco y teatro.  
Gloria es la madre de una bailaora que comienza a despuntar en el mundo del flamenco. Debido a su temprana e inesperada maternidad y a la época que le tocó vivir, Gloria no pudo dedicarse al mundo del espectáculo como a ella le hubiera gustado; pero ahora, en su madurez, disfruta acompañando y ayudando a su hija, protegiéndola y aconsejándola... Y en definitiva, proyectando en ella todos sus sueños e ilusiones y dando lugar a disparatados enredos en los que se pondrán de manifiesto muchas de las típicas situaciones entre una artista y su madre.
Este espectáculo se inspira en la cultura del café-cantante y el teatro de variedades, en el que se mezcla el humor, el cante y baile flamenco más tradicional, la copla, la ironía y, cómo no, la improvisación. De llevarlo a cabo sobre el escenario se encargan Asunción Pérez "Choni" como la hija; Juanjo Macías como Gloria; Raúl Cantizano, a la guitarra, como el empresario; Alicia Acuña, al cante, como doña Amalia, la mujer del empresario; y el ya mencionado Manuel Lombo como artista invitado. Vecina's Management gestiona la distribución de esta obra dirigida por Estrella Távora. 


La compañía La Tarasca rinde homenaje en Sevilla a la figura de Antonio Machado

Foto: Pedro Mª de Ugarte.

"Antonio Machado, la luz de sus poemas" plantea un imaginario diálogo interior entre un Machado joven y el Machado de los últimos días de Collioure, interpretados por Alejandro Peña, Roberto Quintana y Juanfra Juárez. Una presencia femenina que evocará a sus musas y a las mujeres de su vida –su madre, Leonor, Guiomar...–, que encarna la bailarina Diana Noriega, y la música al piano de Rafael García Moreno, representarán el plano más simbólico de este montaje de la formación andaluza La Tarasca. El patio del sevillano convento de Santa Clara, recientemente restaurado y convertido en centro cultural, acogerá sus funciones del 12 al 29 de mayo. 
"Antonio Machado, la luz de sus poemas" es una iniciativa del ICAS, Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla, y de la propia compañía, que con esta producción se suma a los eventos que se han venido realizando en Sevilla como ciudad de la RCM (Red de Ciudades Machadianas). La elección del claustro, la música en directo, la atmósfera seductora y las proyecciones multimedia contribuirán a recrear ese universo de Machado que La Tarasca quiere trasladar al público. Además, el Centro Cultural Santa Clara alberga una exposición acerca de la familia Machado que permanecerá abierta hasta el 30 de mayo y que se puede visitar antes de cada representación.
La compañía La Tarasca nació en los años ochenta al abrigo del teatro de calle y se hizo profesional en 1990. Ramón Bocanegra –director de este espectáculo– y Carmen Montes son los fundadores de esta empresa que a lo largo de su trayectoria ha producido diversos proyectos de danza y teatro, como "Genius Loci" en Itálica, "Memorias de Adriano" en el Museo Arqueológico, o "Miguel de Cervantes, pasión y libertad" y "María de Padilla", ambos en el Alcázar. Por otro lado, algunas de sus últimas producciones de danza para niños y público familiar son "El sueño de una noche de verano", "Las cuatro estaciones" y "La flauta mágica".